音楽はビデオゲームにおいて重要な役割を果たし、プレイヤー体験を形成し、没入感を高めてきました。技術の進歩はゲームの多くの側面を変革しましたが、Konvoyの最近のレポートによると、ゲーム音楽の進化は、音楽制作における専用のイノベーションよりも、ハードウェアの改善によって大きく推進されてきました。長年にわたり、ビデオゲームのサウンドトラックは、単純な電子音から完全にオーケストレーションされた楽曲へと進化し、伝統的なメディアと肩を並べるようになりました。しかし、これらの進歩にもかかわらず、今後数年間でゲーム音楽におけるさらなる大規模なイノベーションは起こりにくいとされています。

ビデオゲームにおける音楽の進化

ゲームにおける音楽の歴史

ビデオゲーム音楽の発展は、技術の進歩と密接に結びついています。1970年代から1980年代にかけてのゲーム初期には、ハードウェアの制約が生成できるサウンドの種類を決定していました。ビデオゲーム機は、限られた範囲のトーンしか生成できない基本的な電子回路とチップセットに依存していました。これにより、スーパーマリオブラザーズのような古典的な8ビットゲームに見られるような、シンプルでありながら認識可能なチップチューンメロディが生まれました。

1990年代にCDベースのゲーム機が導入されたことで、音楽がゲームに統合される方法に大きな変化がもたらされました。ストレージ容量の増加により、開発者はより高品質なサウンドトラックとボイスアクトを組み込むことができ、ゲームの物語をより没入感のあるものにしました。ファイナルファンタジーVIIのようなゲームはこれらの進歩を示し、音楽を伝統的な楽曲に近い品質にしました。しかし、この進歩にもかかわらず、ゲーム機のオーディオ処理能力は依然としてハードウェアの制約を受けていました。

2000年代には、技術の進歩によりリアルタイムオーディオ処理とサラウンドサウンドが可能になりました。PlayStation 2、Xbox、GameCubeなどのゲーム機のリリースにより、Dolby DigitalやDTSなどの高度なサウンド技術が導入され、ゲームオーディオの深みとリアリズムが向上しました。

その後の各ゲーム機世代において、コンピューティングパワーは大幅に増加し、よりダイナミックでインタラクティブなサウンドスケープが可能になりました。2010年代半ばまでに、ビデオゲーム音楽制作は、プロの音楽スタジオで使用されるものと同じデジタルオーディオワークステーション（DAW）を広く採用していました。空間オーディオの台頭とバーチャルリアリティゲームへの統合は、高品質なゲーム音楽を提供する上でハードウェアがもはや制約要因ではないことをさらに示しました。

Konvoyのデータ: The Sound of Music

現代ゲームにおける音楽の役割

今日、ビデオゲームのサウンドトラックは、ゲーム体験の不可欠な要素として広く認識されています。2023年に「ビデオゲームおよびその他のインタラクティブメディアのための最優秀スコアサウンドトラック」部門のグラミー賞が導入され、Assassin’s Creed Valhalla: Dawn of Ragnarökが受賞したことは、より広範なエンターテイメント業界におけるゲーム音楽の影響力の増大を浮き彫りにしています。

ゲームにおける音楽は、主にオリジナルサウンドトラック（OST）とバックグラウンドミュージック（BGM）の2つのカテゴリに分類され、複数の目的を果たします。OSTは通常、メインテーマ、キャラクターのモチーフ、重要な瞬間やカットシーンのための楽曲を含みます。これらの楽曲は記憶に残るように設計されており、ゲームの文脈外でも独立した音楽として鑑賞できます。対照的に、BGMはゲームプレイ中に再生されるアンビエントまたは雰囲気のあるトラックで構成され、体験から注意をそらすことなく、ムードとトーンを微妙に高めます。

OSTはしばしば複雑で構造化されていますが、BGMは通常、より反復的でゲーム内のイベントに適応します。映画やテレビの音楽とは異なり、ゲーム音楽はプレイヤーのアクションに動的に反応する独自の能力を持っています。このインタラクティブ性により、より深い没入感が得られ、聴覚体験がより魅力的になります。しかし、これらのイノベーションにもかかわらず、ゲーム音楽への投資レベルは業界全体で大きく異なります。

第67回グラミー賞 最優秀スコアサウンドトラック

ゲームにおける音楽イノベーションの未来

ゲームハードウェアの進歩はオーディオ品質を大幅に向上させましたが、ビデオゲームの音楽技術におけるさらなる大規模なイノベーションは、近い将来には起こりにくいと考えられます。その主な理由は、音楽関連のコストが、マーケティングやゲーム開発などの他の費用と比較して、ゲーム全体の予算の比較的小さな部分を占めているためです。主要なゲーム開発者でさえ、ゲームに含まれるユニークな音楽の量には大きな幅があり、ほとんどのタイトルは10時間未満のオリジナル楽曲を特徴としています。一部の高予算ゲームには20時間以上のユニークな音楽が含まれる場合がありますが、これは必ずしも商業的成功と相関するわけではありません。

人工知能（AI）や拡張現実（AR）などの新興技術は、適応型でインタラクティブなサウンドトラックなど、新しい機能をもたらす可能性があります。しかし、これらのイノベーションが、ゲームの音楽制作のみに焦点を当てた数十億ドル規模の企業を生み出す可能性は低いでしょう。開発者は音楽への投資額を柔軟に決定でき、これらの予算を大幅に増やす強力な経済的インセンティブはありません。代わりに、ゲーム音楽の将来の進歩は、業界に革命を起こすのではなく、高品質な制作をより利用しやすくすることに焦点を当てると予想されます。

最終的な考察

音楽はビデオゲームにおける没入感を高めるための重要なツールであり続けており、技術の進歩によりゲーム作曲家はますます洗練されたサウンドトラックを作成できるようになりました。数十年にわたり、ハードウェアの改善はかつてビデオゲーム音楽を制約していた多くの制限を取り除き、品質の点で伝統的な楽曲に匹敵するものにしました。

しかし、AIやARがインタラクティブで適応性のあるサウンドの新しい可能性をもたらすかもしれませんが、この分野での大規模なイノベーションが多額の投資を引き付ける兆候はありません。代わりに、ゲーム音楽の将来の発展は、画期的な新技術よりもコスト効率とアクセシビリティに焦点を当てる可能性が高いでしょう。結果として、音楽はゲームにおいて不可欠な役割を果たし続けるでしょうが、その進化は破壊的な変革ではなく、より緩やかな道をたどると予想されます。

出典: Konvoy