La música ha desempeñado un papel importante en los videojuegos, moldeando las experiencias de los jugadores y mejorando la inmersión. Si bien los avances tecnológicos han transformado muchos aspectos de los videojuegos, según un informe reciente de Konvoy, la evolución de la música en los videojuegos ha sido impulsada en gran medida por mejoras en el hardware en lugar de una innovación dedicada en la producción musical. A lo largo de los años, las bandas sonoras de los videojuegos han evolucionado desde simples tonos electrónicos hasta composiciones totalmente orquestadas, a la par de los medios tradicionales. Sin embargo, a pesar de estos avances, es poco probable que haya más innovación a gran escala en la música de los videojuegos en los próximos años.
La evolución de la música en los videojuegos
Historia de la música en los videojuegos
El desarrollo de la música de los videojuegos ha estado estrechamente ligado al progreso tecnológico. En los primeros días de los videojuegos, durante las décadas de 1970 y 1980, las limitaciones del hardware dictaban los tipos de sonidos que se podían producir. Las consolas de videojuegos dependían de circuitos electrónicos básicos y chipsets que solo podían generar un rango limitado de tonos. Esto llevó a la creación de melodías chiptune simples pero reconocibles, como las que se encuentran en juegos clásicos de 8 bits como Super Mario Bros.
La introducción de las consolas de videojuegos basadas en CD en la década de 1990 marcó un cambio significativo en la forma en que la música se integraba en los juegos. Con una mayor capacidad de almacenamiento, los desarrolladores pudieron incorporar bandas sonoras de mayor calidad y actuación de voz, haciendo que las narrativas de los juegos fueran más inmersivas. Juegos como Final Fantasy VII mostraron estos avances, acercando la música en calidad a las composiciones tradicionales. Sin embargo, a pesar de este progreso, las capacidades de procesamiento de audio de las consolas aún estaban limitadas por el hardware.
Para la década de 2000, las mejoras tecnológicas permitieron el procesamiento de audio en tiempo real y el sonido envolvente. El lanzamiento de consolas como PlayStation 2, Xbox y GameCube introdujo tecnologías de sonido avanzadas como Dolby Digital y DTS, que mejoraron la profundidad y el realismo del audio de los juegos.
Con cada generación de consolas posterior, la potencia informática aumentó significativamente, lo que permitió paisajes sonoros más dinámicos e interactivos. A mediados de la década de 2010, la producción de música para videojuegos había adoptado en gran medida las mismas estaciones de trabajo de audio digital (DAW) utilizadas en los estudios de música profesionales. El auge del audio espacial y su integración en los juegos de realidad virtual demostraron además que el hardware ya no era un factor limitante para ofrecer música de juegos de alta calidad.
Datos de Konvoy: The Sound of Music
El papel de la música en los videojuegos modernos
Hoy en día, las bandas sonoras de los videojuegos son ampliamente reconocidas como un componente esencial de las experiencias de juego. La introducción del premio Grammy a la Mejor Banda Sonora para Videojuegos y Otros Medios Interactivos en 2023, ganado por Assassin’s Creed Valhalla: Dawn of Ragnarök, destaca la creciente influencia de la música de los videojuegos en la industria del entretenimiento en general.
La música en los videojuegos tiene múltiples propósitos, principalmente se divide en dos categorías: bandas sonoras originales (OST) y música de fondo (BGM). Las OST suelen incluir temas principales, motivos de personajes y composiciones para momentos o escenas importantes. Estas piezas a menudo están diseñadas para ser memorables y pueden apreciarse como música independiente fuera del contexto del juego. En contraste, la BGM consiste en pistas ambientales o atmosféricas que se reproducen durante la partida, mejorando sutilmente el estado de ánimo y el tono sin desviar la atención de la experiencia.
Si bien las OST suelen ser complejas y estructuradas, la BGM suele ser más repetitiva y adaptable a los eventos del juego. A diferencia de la música en el cine o la televisión, la música de los videojuegos tiene la capacidad única de responder dinámicamente a las acciones del jugador. Esta interactividad permite una mayor sensación de inmersión, haciendo que la experiencia auditiva sea más atractiva. Sin embargo, a pesar de estas innovaciones, el nivel de inversión en la música de los videojuegos varía ampliamente en toda la industria.
67º Premios Grammy a la Mejor Banda Sonora
El futuro de la innovación musical en los videojuegos
Si bien los avances en el hardware de los videojuegos han mejorado significativamente la calidad del audio, es poco probable que haya una innovación a gran escala en la tecnología musical para videojuegos en un futuro cercano. La razón principal de esto es que los costos relacionados con la música siguen siendo una porción relativamente pequeña del presupuesto general de un juego en comparación con otros gastos, como el marketing y el desarrollo del juego. Incluso entre los principales desarrolladores de videojuegos, existe una amplia gama en la cantidad de música única incluida en un juego, con la mayoría de los títulos con menos de diez horas de composiciones originales. Algunos juegos de alto presupuesto pueden incluir más de veinte horas de música única, pero esto no se correlaciona necesariamente con el éxito comercial.
Las tecnologías emergentes como la inteligencia artificial (AI) y la realidad aumentada (AR) tienen el potencial de introducir nuevas capacidades, como bandas sonoras adaptativas e interactivas. Sin embargo, es poco probable que estas innovaciones conduzcan a la aparición de empresas de miles de millones de dólares centradas únicamente en la producción musical para videojuegos. Los desarrolladores tienen la flexibilidad de determinar cuánto invierten en música, y no hay un fuerte incentivo financiero para aumentar significativamente estos presupuestos. En cambio, se espera que los futuros avances en la música de los videojuegos se centren en hacer que la producción de alta calidad sea más accesible en lugar de revolucionar la industria.
Consideraciones finales
La música sigue siendo una herramienta vital para mejorar la inmersión en los videojuegos, y los avances tecnológicos han permitido a los compositores de videojuegos crear bandas sonoras cada vez más sofisticadas. A lo largo de las décadas, las mejoras en el hardware han eliminado muchas de las limitaciones que antes restringían la música de los videojuegos, haciéndola comparable a las composiciones tradicionales en términos de calidad.
Sin embargo, si bien la AI y la AR pueden introducir nuevas posibilidades para el sonido interactivo y adaptativo, no hay indicios de que la innovación a gran escala en este campo atraiga una inversión significativa. En cambio, es probable que los futuros desarrollos en la música de los videojuegos se centren en la eficiencia de costos y la accesibilidad en lugar de nuevas tecnologías innovadoras. Como resultado, si bien la música seguirá desempeñando un papel esencial en los videojuegos, se espera que su evolución siga un camino más gradual en lugar de una transformación disruptiva.
Fuente: Konvoy